Andrew Wood, la stella nascente del Grunge

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Andrew Wood moriva esattamente trentuno anni fa, il 19 marzo del 1990, cantante dei Mother Love Bone ed ancora prima dei Malfunkshun.
Andrew è stato una figura centrale della scena musicale di Seattle molto prima dell’esplosione di “Nevermind”.

Sicuramente possiamo attribuire alla sua musica ed ancor più al suo modo di viverla, i primi vagiti del Grunge.
Per raccontare la sua storia dobbiamo necessariamente fare un passo indietro, fino al 1986. Quando l’etichetta C/Z pubblicò la più preziosa testimonianza dei primi germi del grunge, la raccolta “Deep Six”.

Deep Six, La prima Compilation del Grunge:

All’interno del disco erano presenti sei band, acerbe, agli albori della loro carriera. Ma che conteneva quegli artisti che sarebbero diventati dei pezzi da novanta nella scena di Seattle e del mondo intero. Green River, in cui militavano quattro musicisti destinati a fare la storia del rock cittadino e non solo, Mark Arm, Steve Turner, Stone Gossard e Jeff Ament futuri Pearl Jam.

U-Men di John Bigley;
Soundgarden di Chris Cornell;
Skin Yard di Jack Endino e Matt Cameron
Melvins di Buzz Osborne
infine, i velenosi Malfunkshun del giovanissimo e carismatico cantante Andrew Wood.

All’epoca della pubblicazione di “Deep Six” Steve Turner aveva già lasciato i Green River, sostituito da Bruce Fairweather. Ma di lì a poco anche tra gli altri membri i contrasti diventarono così insanabili da portare allo scioglimento. Turner si riavvicinò ad Arm con cui fondò i Mudhoney, che nel 1988 sfornarono uno dei primi anthem dell’etichetta Sub Pop, “Touch Me I’m Sick”.  Ancora oggi, tra i pochissimi gruppi sopravvissuti all’epopea del grunge, continuano a suonare con il piglio ruvido e sguaiato di allora.

Ament, Gossard e Fairweather, invece, si unirono ad Andrew Wood per formare i Mother Love Bone. Sin da subito i ragazzi mostrarono una formidabile alchimia e, grazie ad un frontman trascinante come pochi, lasciarono presagire che il loro primo album avrebbe rappresentato il detonatore necessario al fermento creativo di Seattle.

Ma cominciamo dall’inizio, perché questa storia deve necessariamente partire da uno dei luoghi simbolo della musica di Seattle. Parliamo di The Central.

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The Central è il più antico pub della città di Seattle, è stato aperto nel 1892. Cento anni più tardi diventa il posto simbolo della musica di quella città. Ma come in tutte le storie degli anni ‘90 abbiamo bisogno degli anni ‘80 per raccontarla. E come in quasi tutte le storie della costa Ovest abbiamo bisogno di un garage.

A Bainbridge Island c’è il garage che cerchiamo, di proprietà della famiglia Wood. Qui, i due fratelli Kevin ed Andrew hanno finalmente trovato il batterista giusto per la loro band che si chiamerà Malfunkshun.

Chris Cornell che a metà anni 80 era il frontman più conosciuto di Seattle perché era quello dei Soundgarden conosce Andrew, che diventerà anche suo roadmen. Così un giorno Cornell proprone a Andrew e ai Malfunkshun di essere il gruppo di supporto nel tour dei Soundgarden. Fù così che stando insieme giorno dopo giorno, palco dopo palco, Chris ed Andrew diventano come due fratelli.

Cornell si accorge subito che Andrew è un’altra merce, è esplosivo, straripante a livello vocale. E’ un’autentica superstar. Anni più tardi Chris disse:

Se anche non avesse venduto un singolo disco, lui sarebbe stato sicuramente il migliore di tutti noi.

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Il momento della svolta e la nascita dei Mother Love Bone

Malfunkshun è un buon gruppo, Kevin è un buon musicista, ma Andrew è francamente diverso. Andrew non vuole deludere troppo il fratello ma si muove su fronti diversi, contattando Stone Gossard e Jeff Ament. Si tratta del chitarrista e del bassista dei futuri Pearl Jam. Nasce un nuovo gruppo altrettanto incredibile. Parliamo dei Mother Love Bone.

E qui torniamo a parlare della storia del locale più famoso di Seattle, The Central, in cui in sui muri delle toilette c’erano scritte che inneggiavano ad Andrew Wood, che dichiarò a tale proposito:

Non fatemi delle promesse, non adulatemi, non fatemi dei regali, venite a The Central ad ascoltarci.

Nel 1989 Mother Love Bone pubblicarono “Shine”. Un ep contenente cinque brani di straordinario equilibrismo che permetteva di passare dal rock’n’roll grezzo e stradaiolo all’emozionante doppia ballata “Chloe Dancer/Crown Of Thorns”. In questi brani Andrew confessava spudoratamente la sua maleducazione sentimentale e i suoi tentativi di stare lontano dalla droga. Questa ballad nel 2007 è stata inclusa in una speciale lista delle “50 migliori canzoni di tutti i tempi più lunghe di 7 minuti” redatta da Rolling Stone.

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Apple, il primo e unico disco dei Mother Love Bone

Il primo e unico album della band, “Apple”, fu registrato tra il settembre e il novembre del 1989 ai London Bridge Studios di Seattle e al The Plant di Sausalito. Tutti i testi erano di Andrew.

Non potrei mai cantare versi scritti da qualcun altro

dichiarava nelle interviste che precedettero la pubblicazione del disco. Si stava già creando infatti, un autentico hype tra i frequentatori dei circuiti alternativi. Le musiche erano cofirmate da tutti i componenti della band. Tra le tredici tracce spiccavano inni grunge come “Stardog Champion” e “Bone China”. Ma anche l’oscuro mid-tempo “Gentle Groove” e le ballate acide “Stargazer” e “Man Of Golden Words”.

Nel tour del 1989 in cui i Mother Love Bone aprirono una quarantina di concerti degli inglesi Dogs D’Amour, Andrew rubò letteralmente la scena al cantante Tyla. Ecco cosa dichiarò Andrew al giornalista di The Rocket:

Mi sono preparato a questo passo per tutta la vita. Sono sempre stato un frontman. Ricordo che quando avevo nove o dieci anni aspettavo che i miei se ne andassero. Poi mettevo a tutto volume “Alive” dei Kiss e usavo il letto come palco per la batteria e una racchetta come chitarra.
Alla fine del disco distruggevo la racchetta/chitarra, rimettevo il disco per il bis e risalivo sul palco. Avresti dovuto vedermi! La Andy Wood Band! Eravamo strepitosi negli anni ’70!

Andrew era all’apice del successo, aveva davanti a sé una carriera più che promettente, avrebbe potuto avere ai suoi piedi qualunque donna, purtroppo però ne predilige soltanto una: l’eroina.

L’uscita di “Apple” era prevista proprio per il mese di marzo del 1990. Andrew aveva fatto del suo meglio per farsi trovare pronto all’appuntamento e si era disintossicato. Ma per chi si è disintossicato da poco capita che la prima ricaduta possa essere letale spesso con una dose in precedenza tollerata. Proprio ciò che accadde quel 16 marzo.

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Il week-end nero di Seattle e la tragica morte

Durante il weekend del 16 marzo 1990 a Seattle ci furono quattro overdose da eroina. Tre ragazzi sopravvissero, il quarto invece, dopo tre giorni di agonia, non ce la fece. Quest’ultimo era uscito da poco da un centro di riabilitazione ed era pulito da ben 116 giorni.

Il quarto ragazzo era proprio il ventiquattrenne Andrew Wood. Quel 16 marzo fu trovato privo di sensi, riverso sul letto con una siringa nel braccio dalla fidanzata Xana La Fuente. Rimase in coma per tre giorni all’Harborview Hospital e il 19 marzo i genitori diedero l’assenso a staccare la spina.

Il corpo del cantante era circondato dai fratelli, dagli amici, da Chris Cornell, Stone Gossard, Jeff Ament e da Xana. Proprio la sua ragazza ricorda di aver tagliato una ciocca di capelli di Andrew e di aver messo su uno dei suoi dischi più amati: “A Night At The Opera” dei Queen. Xana si sdraia sul suo petto ad abbracciarlo finché non sente il suo battito andarsene.

Xana ricorda anche di quella volta che Andrew e suo fratello Kevin presero un acido. Andrew passò otto ore rannicchiato sul pavimento del bagno in posizione fetale, piangendo e gridando:

I’m gonna die. I saw my future. I know I’m gonna die

Il sogno di una generazione fu sul punto di infrangersi. Fu il weekend che spazzò via l’innocenza. Andrew aveva una fame di vita e un’esuberanza incontenibili. Cantava “I am magnificent/I’m the instigator of the me generation”. Era quasi etereo con i lunghi capelli ossigenati a volteggiare sopra i giri di basso, la canotta numero 32 dei Los Angeles Lakers e i guanti di pelle nera.

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La nuova era dopo Andrew Wood

Per chiunque lo conoscesse o l’avesse visto esibirsi, il dolore fu troppo grande. Improvvisamente, ascoltare “Stardog Champion”, con lo straziante finale cantato da un coro di bambini vittime di abusi, era diventato impossibile. Ecco perchè l’uscita di “Apple” fu posticipata a luglio.

Andrew era camaleontico e scivolava via un attimo prima di farsi afferrare. Lasciando così con il dubbio che il suo spettacolo d’amore profano non fosse che una grossa presa in giro. Non senza ironia, percepiva se stesso come il sacerdote del nuovo rock.

Il 19 Marzo del 1990, il suo cuore batte per l’ultima volta. La sua morte porta quasi contemporaneamente alla nascita di band divenute poi famosissime, ad esempio i Temple Of The Dog. Lo stesso Chris Cornell gli dedica due magnifici pezzi: Say Hello 2 Heaven, Reach Down. Inoltre insieme a Vedder canta Hunger Strike, uno dei pezzi più commoventi della musica americana degli anni’90.

La morte di Andrew pose fine all’avventura appena iniziata dei Mother Love Bone, ma in qualche modo ebbe degli effetti catartici su quasi tutti i musicisti di Seattle. Proprio in quel periodo i Nirvana iniziarono a lavorare al secondo album, provvisoriamente intitolato “Sheep”.

L’esplosione del Grunge, il movimento culturale più amato della storia

Kurt Cobain aveva già pronte “Lithium”, “In Bloom” e “Polly”. Avrebbe dovuto però attendere ancora un altro anno prima di trovare l’ispirazione per scrivere “Smells Like Teen Spirit”. I cinque minuti capaci di entrare nelle adolescenze di tutto il pianeta con la forza di un tornado.

L’album uscì nel settembre 1991 con il titolo “Nevermind” e tutto cambiò. Non solo i Nirvana diventarono il gruppo rock grunge del momento ma anche gli altri gruppi ricevettero un’improvvisa esposizione mediatica.

Successo, prime pagine, tour mondiali, montagne di soldi. Nel giro di pochissimo, la fortuna baciò chiunque venisse da quell’area del north-west americano. Un luogo fino ad allora rimasto ai margini della geografia del rock. Seattle era esplosa.  E la figura di Andrew continuò a vegliare sui suoi amici, fonte di ispirazione e oggetto di sentita devozione.

Il ricordo di Andrew nei brani dei suoi fratelli di band

Gli omaggi più famosi sono contenuti nella musica degli Alice In Chains. La band di Jerry Cantrell, amico fraterno di Andrew, e Layne Staley, che aveva nel destino un’uscita di scena altrettanto drammatica. Il loro brano più noto, “Would?”, è uno dei modi per gridare la storia di Andrew.

La morte di Andrew, infine, spalancò le porte del successo anche ad un certo Eddie Vedder. Surfista temporaneamente addetto ad un pompa di benzina di San Diego, che Ament e Gossard scelsero come voce per la nuova band che stavano formando. I predestinati Mookie Blaylock, assoldati dalla Epic ancora prima di cambiare il nome nel più fortunato Pearl Jam.

Andrew Wood è stato un performer di altissimo livello ed è stato sui palchi americani per troppo poco tempo. Di lui, discograficamente ci resta abbastanza poco, eppure ci ha lasciato un patrimonio musicale ed un’eredità immensa per la scena Grunge che stava nascendo.

La cerimonia funebre si svolse al Paramount, un altro posto significativo ed uno dei simboli di Seattle, durante la quale il padre disse:

Non disperdiamo il talento artistico di mio figlio, ma fatemi una cortesia, il prossimo frontman del gruppo che non sia un tossicodipendente

Ma bravo e pulito, sono due aggettivi eticamente incongruenti con la Seattle degli anni ‘90.

Fonti e Ringraziamenti:

Il mio primo grazie va a Cristiano Lucidi di About Grunge ( https://www.youtube.com/channel/UCoBIO0Idwh9PqZKDhpUSK3g ) che mi ha dato la possibilità di realizzare questo approfondimento.

Le mie fonti:

Federico Buffa: Time Travel Barracuda, gli anni ’90 di Seattle.

Pierluigi Lucadei: Andrew Wood, il primo martire del Grunge.

Gianluca Crugnola: 30 dischi per capire il Grunge

Valeria Sgarella: Andy Wood, l’inventore del Grunge: vivere (e morire) a Seattle prima dei Pearl Jam.

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Fragments of Sorrow, nuovo video Going Under

Fragments of Sorrow

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I Fragments of Sorrow sanno che Jeans attillati, tanti capelli e capannoni abbandonati che sparano fiamme, sono la ricetta perfetta per un video Metal/Hardrock 80’s vibe. E’ anche il trattamento migliore per questo singolo Going Under.

Riff potenti e voci melodiche che saltano dai ringhi gutturali a strilli acuti, Going Under unisce perfettamente due epoche della musica.

“Per Going Under abbiamo voluto mischiare sonorità che richiamassero. Il passato con il sound tipico del Metalcore moderno, l’idea era di essere nostalgici senza perdere la grinta del Rock e del Metal”

aggiunge poi Dave Birmingham, cantante dei Fragments of Sorrow:

“Il testo e il concept della copertina si fondono alla perfezione, è il concetto allegorico del perdersi nel deserto, un posto insidioso come alcuni periodi che attraversiamo nella nostra vita. Il testo racchiude la volontà di redenzione nei momenti difficili, cercando la giusta strada da percorrere”

Resta In Contatto Con La Band:

IG:  https://www.instagram.com/fragmentsofsorrowofficial/

FB: https://www.facebook.com/fragmentsofsorrow

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È uscito AOT, il nuovo lavoro degli Acts Of Tragedy

AOT

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Dopo alcune succulente anticipazioni, i sardi Acts Of Tragedy pubblicano oggi attraverso Volcano Records & Promotion, AOT, il loro nuovo ep. Cinque brani folgoranti e granitici in cui il gruppo mescola con personalità metalcore, progressive e thrash metal guardando a band del calibro di Pantera, The Dillinger Escape, Lamb Of God e Periphery, ma reinterpretando con personalità da vendere ed un’identità peculiare un genere spesso abusato e poco incline alle novità. Il gruppo che nel corso degli anni ha diviso il palco con Testament, Jinjer, Fleshgod Apocalypse, Destrage e molti altri, rende oggi disponibili su tutte le piattaforme digitali cinque nuovi brani che non deluderanno i metallari più incalliti.

Ascolta Acts Of Tragedy

https://open.spotify.com/album/2JCnY3zBBsj6D5cW0iEOxR?si=LSMsVYvRRRup4mr1QaTDoQ

Gli Acts of Tragedy sono:

Alessandro Castellano – Drums
AndreaOrru’ – Vocals
Giovanni Serra – Bass
Paolo Mulas – Guitar
Gabriele Murgia – Guitar & backing Vocals

Per maggiori informazioni

www.volcanopromotion.com
www.facebook.com/actsoftragedyband

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The 69 Eyes, disponibile in streaming il concerto del loro 30° anniversario

The 69 Eyes

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Lo scorso autunno The 69 Eyes hanno pubblicato il loro nuovo album dal titolo apocalittico “West End” e hanno inaugurato il tour del 30° anniversario. Ora celebrano le tre decadi trasmettendo in streaming un concerto da Helsinki venerdì 26 giugno alle 19.

I Vampiri di Helsinki suoneranno per i fan di tutto il mondo e sarà possibile rivedere il concerto nei quattro giorni successivi. I biglietti di fascia più alta includono anche un meet&greet virtuale con il gruppo.

“Siamo entusiasti di suonare il nostro concerto del 30° anniversario alla House Of Culture (Kulttuuritalo) di Helsinki. È un luogo leggendario dove ho visto i Ramones all’epoca. Tutte le band rock oramai classiche hanno suonato lì negli anni, da Jimi Hendrix ai Led Zeppelin e i Metallica! Ora possiamo invitare i nostri fan di tutto il mondo a festeggiare con noi là”,

dichiara il cantante Jyrki 69.

The 69 Eyes – Sunborn Live Stream da Kulttuuritalo, Helsinki, Finlandia

Biglietti: 9,90€/16,90€
https://www.ticketmaster.fi/event/281135?language=en-us
Merch store: http://store.69.com

“West End” di The 69 Eyes è disponibile in digipak (comprendente l’album + bluray con un documentario dedicato alla band e diretto da Ville Lipiäinen e di cui si può vedere un’anteprima qui.  https://youtu.be/Y0gK1cpCRmQ)

e in digitale: http://nblast.de/The69EyesWestEnd
Bundle speciali con vinile/ CD-digipack / t-shirt / felpa sono invece acquistabili sullo store della band: http://store.69eyes.com

Altro su “West End”:

’27 & Done’ OFFICIAL VIDEO: https://www.youtube.com/watch?v=OLoqIdCMZCE
‘Cheyenna’ OFFICIAL VIDEO: https://www.youtube.com/watch?v=r87nMDEs53M
‘Black Orchid’ OFFICIAL VIDEO: https://www.youtube.com/watch?v=Fh3s7mC-8Z4
‘Two Horns Up [feat. Dani Filth]’ OFFICIAL MUSIC VIDEO: https://www.youtube.com/watch?v=n7etEF3sNyA
‘Burn Witch Burn’ OFFICIAL LYRIC VIDEO: https://www.youtube.com/watch?v=DDlwtQ5BRzA

The 69 Eyes sono:

Jyrki 69 – voce
Bazie – chitarra, cori
Timo-Timo – chitarra
Archzie – basso, cori
Jussi 69 – batteria

Link e contatti:

www.69eyes.com
www.facebook.com/the69eyes
www.instagram.com/the69eyesoffical
www.twitter.com/69eyesofficial
www.nuclearblast.de/the69eyes

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Voglia di Normale, Il video del nuovo singolo di Bemynorth

Voglia di Normale

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Voglia di Normale è online su YouTube da oggi, venerdì 24 aprile. Il video del nuovo e primo singolo in italiano del cantautore milanese dalle sonorità acoustic-pop Bemynorth.

Il brano è registrato in casa ed già disponibile in streaming e in digital download. Voglia di normale nasce dalla necessità di descrivere questa situazione di isolamento, attraverso la scrittura e la composizione.
Il risultato è una canzone che si estende su quasi quattro minuti, nella quale Bemynorth canta e suona diversi strumenti.

Troviamo infatti la chitarra acustica, elettrica, un organo rock emulato con una tastiera, registrando tutto con Logic. Bemynorth affida poi il master a Larsen Premoli dei RecLab Studios (Milano).  Il video è anch’esso interamente realizzato in casa attraverso una tecnica di stop motion. Usufruisce infatti di personaggi in plastilina e scenografie “di fortuna”, è opera del regista Riccardo Fazio.

Tutto è fermo e
il sole sorge ancora
svogliato e sveglio tra le mie lenzuola
il mondo è fermo anche
se gira a cento all’ora
ma balleremo ancora

Voglia di Normale è un brano studiato ma semplice, perché la normalità è semplice. Il cantato è intimo, come fosse una confessione a cuore aperto, pur rimanendo leggero. Il sound è caratterizzato da fraseggi di chitarra elettrica tra le strofe e un assolo con colore.
Suonato con un’intuizione bluesy che attualizza la composizione. L’incipit invece è dato da un fischiettio, a donare spensieratezza in questi giorni grigi. Stessa finalità nel ritornello, che si conclude con un orecchiabile “nananana”, accompagnato da un organo blues.

Il sole splende uguale
ma è deserta la città
apro la finestra
ho solo voglia di normale
nananananan nanananana

Ecco cosa racconta Bemynorth su Volgia di Normale

Il brano nasce per essere una confessione, ma anche per non fare sentire sole tutte le persone che si sentono allo stesso modo. Per la prima volta ho provato a dare retta a quello che sentivo nella pancia.

Il testo della canzone non è altro che frutto delle sensazioni nude e crude che provavo, provo, proviamo in questi giorni. Nessuna elucubrazione mentale, volevo mettere in tavola quello che mi passava per la testa senza filtri. Lasciando volutamente la parte sgrammaticata “voglia di normale”.

In questa canzone parlo di ciò che ci circonda, la città deserta, questa Voglia di Normale che si manifesta appena apro la finestra. Lo stare a letto sveglio e un po’ svogliato, i flashmob di applausi dai balconi. Ma anche canzoni eseguite da persone al balcone, e parlo di questa Milano che è spenta ma che trova i suoi colori in questi piccoli gesti.

In questa situazione sembra di essere dentro e fuori dal mondo, ma sono conscio del fatto che anche la notte più lunga in un’alba si sveglia e brilleremo ancora. Pare strano, ci sembra di essere fermi immobili e nonostante ciò il cielo è di un blu mai visto.
Il sole splende più che mai e il mondo non smette di girare.

Il video è la trasposizione virtuale della situazione che stiamo vivendo. I personaggi ritratti siamo io ed alcuni amici, intenti a scacciare il virus a suon di tattiche e disinfettanti.

(Puoi leggere anche questo articolo)

CONTATTI E SOCIAL

Facebook: facebook.com/Bemynorth
Spotify: https://open.spotify.com/artist/2wVPdf5fV87ghxTGgL4kV8
Instagram: https://www.instagram.com/bemynorth
YouTube: https://www.youtube.com/channel/UCYeTjWEtRUXK6IPYCetpB4w

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RFC Venerdì 10 Aprile Live in diretta su Instagram

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Maurizio, voce e leader degli RFC, suonerà in diretta sul profilo Instagram della storica ska punk!!
La band sarà in diretta Venerdì 10 aprile a questo indirizzo https://www.instagram.com/rfcskapunk/, aderendo al progetto #iosuonodacasa.

Il musicista si esibirà alle ore 18.30 presentando in versione acustica il nuovo singolo “Il vuoto” e una selezione di altri brani degli RFC. Un viaggio che ripercorre e festeggia dunque i venti anni di carriera della formazione casertana.

Ne “Il vuoto”, Maurizio, autore del brano, racconta dei momenti difficili affrontati durante il lungo periodo di stop della band. Un periodo affrontato e sconfitto grazie al vitale amore per la musica. Emozioni simili a quelle che molti stanno vivendo in questo periodo di necessario isolamento.

LEGGI ALTRO SU RFC QUI

Biografia:

Gli RFC sono una band Ska Punk fondata nel 1999 nella provincia di Caserta con all’attivo quattro album studio. (“Anarchia Sentimentale” 2002 / “Ama e Difendi” 2006 / “Ne Voglio Ancora” 2008 / “Ritieniti Fortemente Coinvolto” 2013). Ma anche un disco live (“One, Five, Ceck” 2015) e diversi singoli e primi demo.

Tutti gli album, eccetto il primo del 2002, sono stati prodotti dalla Canzonetta Record storica casa discografica di Napoli. La band campana nel corso dei sui tanti anni di carriera ha subito diversi cambi di line up. Per lo più ai fiati, ed è proprio nell’ultimo anno che ai componenti di sempre, Maurizio Affuso (Voce e chitarra), Antonio Masciandaro (Basso), Antonio Daniele (Batteria), si aggiunge Biagio Felaco (Chitarra). Si crea cosi il quartetto che rappresenta gli RFC di oggi.

Dal 1999 ad oggi gli RFC hanno collezionano così un alto numero di live su tutta la penisola italiana e all’estero. Il punto di forza che ha sempre caratterizzato la band skacore casertana sono appunto i concerti. Parliamo di live energici, mai banali e con una carica emotiva molto forte.
Nel corso di questa lunga carriera oltre alle tante partecipazioni a festival di spicco nazionale come il Rock in Idro di Milano con i NOFX.
Gli RFC vantano anche importanti collaborazioni come quella di Nitto dei Linea 77 nel brano “Rabbia” del 2009, con O Zulù dei 99 Posse. Inoltre collaborazioni con Sigaro della Banda Bassotti ed Enrico dei Los Fastidios nell’album “Ama e difendi”.
Dopo ormai venti anni di carriera e un numero imprecisato di live svolti, la nuova formazione degli RFC sta per tornare con nuovi inediti.

FB https://www.facebook.com/rfcskapunk/
IG https://www.instagram.com/rfcskapunk/
YT https://www.youtube.com/user/rfctv

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I Scream un’esplosione di rock tutto al femminile

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Le I Scream nascono a Siena ma provengono da ogni parte d’ Italia. Sono accomunate da un malriposto senso di anarchia musicale e voglia di dire ciò che sentono.

Iniziano la loro scalata verso l’ignoto nelle sale di un casolare diroccato, portando avanti, ormai da anni, un progetto alternative rock con testi in italiano.
Due sono i dischi all’attivo: I Scream to Cows (2015) e Mare Calmo (2017).

Un’esperienza di vita e musica multiforme che oggi porta la band ad una nuova fase di sperimentazione. Una ricerca costante di suoni diversi, con incursioni nel punk, nella psichedelia e nel grunge.
La band rivive così sotto nuove influenze alcuni momenti del primo disco (come Spara e Vista di Punti). Li riveste poi con arrangiamenti inediti, e nel contempo si esprime in nuove canzoni. le I Scream propongono in seguito per la prima volta sul palco un tour che ben presto le conduce in sala di registrazione.

I Scream to Cows rappresenta l’inizio di un percorso, con l’energia e la spontaneità tipica dell’esordio. Ma Mare Calmo porta con se un passo più riflessivo, interiore e problematico.
Un rock viscerale e poetico che si interroga sulla complessità dell’esistenza, sulla rigidità degli schemi sociali. Emergere infatti con libertà e consapevolezza per non diventare “sterili”, come avverte l’ultimo singolo estratto.

Oggi si torna all’origine: basso, batteria, chitarra e voce come nelle più classiche formazioni rock. Eppure la sovversione delle apparenze attraverso un grido rimane la cifra stilistica del gruppo.
Come in “Mare Calmo”, dove nella calma piatta giace un tumulto che chiede di riappropriarsi della propria voce.
Rock, punk, psichedelia, grunge, post rock… Forse. O più semplicemente assenza di etichette stabili. Tutto ciò che è scritto, suonato, sudato e stampato dalle I Sream è stato veramente vissuto.
“Due strade trovai nel bosco _ scrisse Robert Frost_ ed io scelsi quella meno battuta. Per questo sono diverso”.

LE I SCREAM SONO:

Angela de Nardis –voce
Valeria Mazzola – chitarra
Ilaria Ciofini – basso

LINK UTILI: https://www.facebook.com/iscreambandofficial/

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Hell on Earth, annunciato il release party per il nuovo album degli Ancillotti

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Hell On Earth Release Party!! Gli Ancillotti svelano finalmente la data e il luogo della presentazione ufficiale del loro ultimo album!! L’evento tanto atteso è stato annunciato dalla stessa band tramite la propria pagina Facebook.

Mesi fà vi avevamo raccontato in anteprima esclusiva i contenuti di questo nuovo disco (leggi l’articolo QUI ).
Adesso possiamo segnare un’altra importante data nel nostro calendario eventi. Condividiamo così le stesse parole con cui gli Ancillotti annunciano l’evento dai loro social:

Cari amici, siamo a pochi mesi dalla pubblicazione del nuovo album e non potremmo essere più entusiasti.
Quindi … grazie a IDRA Eventi e Booking possiamo proprio ora annunciare “Hell On Earth Release Party”.

Segnatevi la data in calendario, uscite a bere qualcosa e festeggiate con noi la nascita del nostro ultimo lavoro!
Non vediamo l’ora di condividere questo album con voi!

L’evento “Hell On Earth Release Party” si terrà Sabato 23 maggio 2020 nella splendida sede del CAMPUS INDUSTRY – PARMA (IT) in occasione del “Thunder and Steel Metal Fest”. Gli Ancillotti saranno infatti la band headliner della serata.

LINK UTILI:

Ancillotti: https://www.facebook.com/AncillottiBand/
Pagina FB: https://www.facebook.com/campusindustrymusic/
pagina web: http://www.campusindustrymusic.com/

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VINYLOVE, si rinnova l’ appuntamento con la Fiera del Disco

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VINYLOVE è l’appuntamento a cui nessun amante del Vinile può mancare.
L’evento invernale organizzato e promosso da DiscoDays è previsto per il 15 e il 16 Febbraio al Palapartenope di Napoli.
Vinili, CD, mostre, presentazioni libri e oltre 40 espositori selezionati da tutta Italia per oltre 80.000 dischi di tutti igeneri.

Inoltre tra tutti i partecipanti che si registreranno all’ingresso della fiera VINYLOVE, domenica 16 alle ore 19.45 sarà sorteggiato un pacchetto regalo smartbox “mille e una notte” dal valore di 149,90 euro.

Tra tutti i possessori della Fidelity Card, invece sabato 15 alle ore 16.30 e domenica 16 alle ore 10.30 sarà sorteggiato un buono di acquisto dal valore di 30,00 euro da utilizzare presso uno degli stand della fiera.

ULTERIORI DETTAGLI:

Sabato 15 Febbraio, dalle 16 alle 21
Domenica 16 Febbraio dalle ore 10 alle 20
PalaPartenope, Via Barbagallo, 115
Biglietto d’ingresso 5 euro
Gratuito fino a 12 anni

MAGGIORI INFO: www.discodays.it
EVENTO FACEBOOK :CLICCA QUI

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Injection, On Line il Videoclip Ufficiale!

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Gli Injection pubblicano un nuovo videoclip dal titolo “Channel 60-89”. Il nuovo singolo ufficiale è stato pubblicato lo scorso 20 Maggio per Masd Records.

Injection è un progetto musicale nato nell’ aprile 2015 a Varese, città non lontana da Milano.
E’ un mix di generi e stili che attinge da movimenti culturali differenti ma accomunati dall’intensità sia sonora sia contenutistica: Metal e Hip-Hop.

Negli anni Novanta già gruppi del calibro di Limp Bizkit e Deftones hanno preso queste due sonorità, loro contemporanee, e le hanno fuse.
Il risultato è stato quelle di ottenere il sound che li ha resi così rivoluzionari.

Allo stesso modo gli Injection propongono una formula simile, attingendo però alle interazioni moderne dei due generi, riuscendo a confezionare un suono originale ma non lontano dalle sue origini.

Alla fine del 2017 la band entra in studio e ciò che ne esce è “Over The Asphalt”, un intenso LP nato da un concept che già da tempo aspettava la sua realizzazione.

CHANNEL 60-89 è una delle tredici tracce che compongono l’album ufficiale Over The Asphalt.

Official Facebook Page: https://www.facebook.com/profile.php?id=234462283561533

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La storia dell’amicizia che cambiò il destino di una band – Syd Barrett e i Pink Floyd

In una vecchia intervista David Gilmour parlando del suo amico Syd Barrett definisce la sua condizione con queste parole:

“Era come guardare qualcuno che annega e cercare di tirarlo su, ma lui continua a scivolare. La mano scivolava via ogni volta. Era come cercare di farlo tornare. – Torna Syd, torna – Ed è davvero terribile pensare che non c’è mai stata alcuna possibilità che tornasse in sè.”

Questa è una storia di una grande e profonda amicizia, quella che ha legato a filo doppio Barrett con il destino dei Pink Floyd. Il grande affetto che li univa ha cambiato per sempre il loro modo di suonare e di scrivere brani dopo il suo allontanamento. Ogni parola, ogni assolo ricorda la grande assenza ed il vuoto che Syd ha lasciato nella band ma soprattutto nella vita di tutti gli altri.

E’ così che nascono brani di una bellezza struggente che rimangono in assoluto delle pitre miliari nella storia del rock. “Shine on you crazy diamond” non parla di tutti i diamanti pazzi, parla di Syd (come ricorda R. Waters in un’intervista) oltre all’enorme tristezza per la perdita dell’amico, esprime l’ammirazione ed il rimpianto per il talento di un artista che ha segnato la storia della band con il suo distacco.

Era il 5 Giugno del 1975, racconta Gilmour, presso gli studi di Abbey Road. Syd fa la sua apparizione improvvisa, in modo quasi magico, etereo, una presenza inaspettata che si aggirava tra loro. La band sta ultimando il mixaggio di “Shine on you crazy diamonds” quando un uomo grasso, con pochi capelli, senza sopracciglia ed uno sguardo perso nel vuoto li scruta facendo persino dei commenti sul brano definendolo vecchio ed obsoleto. Erano tutti incredibilmente scioccati. Ci volle un bel pò prima che qualcuno lo riconoscesse e fù così commovente che quell’episodio influenzò la versione definitiva del brano. La vena malinconica trionfa nella versione strumentale conclusiva composta da Rick Wright che riesce ad imprimere tutta la solennità in quel personale omaggio all’amico perduto. L’intera discografia della band diventa poi un personale tributo a quell’uomo con lo sguardo perso nel vuoto, un amico mai dimenticato. Il tema dell’assenza ritorna sempre toccando la sua apoteosi nel brano “Wish you were here” interamente pensato, scritto e suonato per Syd. Come del resto l’intero album capolavoro di maggior successo dei Pink Floyd: “The wall“. Chi non lo ha mai ascoltato?! È forse il loro disco più aggressivo che non può lasciare indifferente nessuno; a tratti claustrofobico, oscuro e spigoloso come l’immensa solitudine che si prova sull’orlo del precipizio. Il disco racconta la storia di Pink ispirata totalmente a quella di Syd Barrett. La storia si snoda attorno all’onda emotiva generata da avvenimenti tragici che caratterizzano la vita del protagonista: la morte del padre quando era in tenera età, una madre iperprotettiva, una scuola disumanizzante, il divorzio e gli eccessi da rockstar. Pink (Syd) si chiude dietro ad un muro, il “Wall” del titolo che lo isola dal mondo esterno facendolo rimanere completamente solo accompagnandolo verso la follia. Tutto questo sfocia nella rabbia compressa e violenta di “The thin ice” e “One of my turns” e in ballate strazianti come “Nobody home“.
L’impronta totalmente differente del disco si avverte sin dai primi brani che richiamano un suono più heavy ispirato a sonorità belliche in cui la batteria di Mason richiama il suono delle mitragliatrici, così come l’elicottero di “Another Brick in the wall” brano ripreso in tre parti, così come le tre fasi della vita di Pink; la prima più moderata con il basso pulsante di Waters, la terza più pesante nel suo rock pieno, ma è la parte centrale con il suo coro di bambini ad essere forse la canzone più famosa in assoluto. Tutto il primo disco è caratterizzato da profonda inquietudine tranne che per alcuni momenti di leggerezza portati da “Mother“, malfermo ed inquieto come le speranze adolescenziali di Pink. È la seconda parte dell’album quella più coinvolgente ed emotivamente più forte, quella in cui Pink deve fare i conti con la sua vita da rockstar fino a che anche il rapporto con la moglie si spezza, così l’ultimo mattone chiude il muro dentro al quale si rifugia per non subire il dolore. Tenta di vincere l’isolamento ma inutilmente (“Is there anybody out there?“) Mentre è in balia dei suoi produttori che lo salvano da un’overdose solo per sbatterlo di nuovo sul palco a proprio uso e consumo: “Comfortably numb” uno degli assoli più belli e strazianti della storia del rock eseguito da Gilmour. L’esito di questo processo é una condanna, forse dolorosa ma liberatoria, ad abbattere il muro ed esporsi davanti a tutti senza difese. Il brano più emblematico di questo intero lavoro è un brano graffiante, sospeso tra chitarre distorte e drammatiche, un brano scritto interamente pensando a Barrett, “Hey You“.

 

Cream – Sunshine Of Your Love – 1967

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Festeggiamo con Sunshine of Your Love dei Cream, il compleanno di Eric Clapton, nato il 30 marzo del 1945 a Ripley, nel Surrey.

Nella sua lunga carriera, iniziata prestissimo a soli 17 anni, ha suonato in tanti gruppi, fra cui The Yardbirds, Blind Faith, Delaney & Bonnie, Derek and the Dominos, per poi proseguire una carriera favolosa anche da solista.

Sunshine of Your Love fa parte dell’album Disraeli Gears, pubblicato  il 2 novembre del 1967, scritto da Jack Bruce, dal paroliere Pete Brown, e da Eric Clapton.

Il pezzo uscirà poi come singolo nel dicembre dello stesso anno. La scrittura del brano fu ispirata dalla partecipazione di Bruce e Clapton al concerto di Jimi Hendrix al Teatro Saville di Londra.

Fu il primo successo statunitense del gruppo dove raggiunse il 5º posto in classifica nel 1968.

Molti altri artisti hanno interpretato il brano; tra questi Ella Fitzgerald, Jimi Hendrix, Ozzy Osbourne e la band Toto.

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