Cream – Sunshine Of Your Love – 1967

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Festeggiamo con Sunshine of Your Love dei Cream, il compleanno di Eric Clapton, nato il 30 marzo del 1945 a Ripley, nel Surrey.

Nella sua lunga carriera, iniziata prestissimo a soli 17 anni, ha suonato in tanti gruppi, fra cui The Yardbirds, Blind Faith, Delaney & Bonnie, Derek and the Dominos, per poi proseguire una carriera favolosa anche da solista.

Sunshine of Your Love fa parte dell’album Disraeli Gears, pubblicato  il 2 novembre del 1967, scritto da Jack Bruce, dal paroliere Pete Brown, e da Eric Clapton.

Il pezzo uscirà poi come singolo nel dicembre dello stesso anno. La scrittura del brano fu ispirata dalla partecipazione di Bruce e Clapton al concerto di Jimi Hendrix al Teatro Saville di Londra.

Fu il primo successo statunitense del gruppo dove raggiunse il 5º posto in classifica nel 1968.

Molti altri artisti hanno interpretato il brano; tra questi Ella Fitzgerald, Jimi Hendrix, Ozzy Osbourne e la band Toto.

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Creedence Clearwater Revival – Fortunate Son – 1969

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“Fortunate Son” è una splendida canzone degli statunitensi Creedence Clearwater Revival, pubblicata come singolo nel settembre 1969 inclusa nel loro quarto album “Willy and the Poor Boys”.

Il brano arrivò al numero 14 nelle classifiche degli Stati Uniti d’America il 22 novembre dello stesso mese arrivando al numero nove durante la settimana successiva per poi al fine giungere alla terza posizione il 20 dicembre.

Anche se non riuscì ad arrivare al primo posto, il brano divenne uno dei più famosi degli anni sessanta ed è presente in molte classifiche delle migliori canzoni di tutti i tempi. Per esempio Pitchfork Media lo pone al diciassettesimo posto della “Lista delle 200 migliori canzoni degli anni ’60”, mentre la Rolling Stone lo colloca alla posizione numero 99 della lista delle 500 migliori canzoni di tutti ti tempi.

La canzone è un inno contro la guerra e uno dei più rappresentativi della controcultura degli anni sessanta che critica la forza militare. Anche se pubblicata proprio durante la Guerra nel Vietnam, non è esplicita nelle sue critiche in quel conflitto particolare, ma se la prende con le classi nobili e i loro figli fortunati (da qui il nome del brano Fortunate Son).

L’ispirazione venne dal matrimonio di David Eisenhower, il nipote del Presidente Dwight David Eisenhower, con Julie Nixon, la figlia di Richard Nixon, avvenuto nel 1968. L’autore e cantante John Fogerty, disse alla “Rolling Stone”:

“Julie Nixon era in giro con David Eisenhower, e tu avevi la sensazione che nessuna di quelle persone sarebbe stata coinvolta nella guerra. Nel 1968 la maggioranza del paese pensava che la morale era grande fra le truppe, e l’ottanta per cento di loro erano a favore della guerra. Ma per alcuni di noi che osservavano da vicino, eravamo dritti nei guai.”

Il brano è stato ampiamente utilizzato per protestare contro le azioni militari e l’elitismo nella società occidentale e, in particolare negli Stati Uniti d’America, come conseguenza aggiunta della sua popolarità, è anche stato utilizzato in situazioni completamente indipendenti, come ad esempio per pubblicizzare il blue jeans.

 

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Jefferson Airplane – Somebody To Love – 1967

Jefferson Airplane - Somebody To Love - 1967

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“Somebody to Love” è un leggendario brano rock psichedelico dei Jefferson Airplane, pubblicato nel 967 e contenuta in Surrealistic Pillow.

Il brano, scritto da Darby Slick, originariamente fu interpretato dai The Great Society, band in cui militava Grace Slick prima di entrare nei Jefferson Airplane. Inedita, fino a quel momento, la commistione tra musica folk e Rock psichedelico che poi sarà una costante nelle composizioni della band.

Di questa canzone vennero realizzate parecchie cover da vari gruppi, come i mod revival inglese The Lambrettas nel 1982 o persino i Ramones. Anche gli Hugu Tugu hanno realizzato la loro cover con il titolo Fino a ieri. Nel 2009 la cantautrice scozzese KT Tunstall ne ha eseguito una cover in collaborazione con gli artisti cubani di Rhythms del Mundo.

When the truth is found to be lies
And all the joy within’ you dies
Don’t you want somebody to love?
Don’t you need somebody to love?
Wouldn’t you love somebody to love?
You better find somebody to love

When the garden flowers baby are dead, yes and
Your mind, your mind is so full of red
Don’t you want somebody to love?
Don’t you need somebody to love?
Wouldn’t you love somebody to love?
You better find somebody to love

Your eyes, I say your eyes may look like his
Yeah, but in your head, baby, I’m afraid you don’t know where it is
Don’t you want somebody to love?
Don’t you need somebody to love?
Wouldn’t you love somebody to love?
You better find somebody to love

Tears are running down and down and down your breast
And your friends, baby they treat you like a guest
Don’t you want somebody to love?
Don’t you need somebody to love?
Wouldn’t you love somebody to love?
You better find somebody to love

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The Beach Boys – Good Vibrations – 1966

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Good Vibrations è indubbiamente fondamentale per il rock degli anni 60’/70′, pubblicato come disco singolo dai The Beach Boys nel 1966, scritta, prodotta ed arrangiata da Brian Wilson, con il testo scritto da Wilson e Mike Love.

La rivista Rolling Stone ha posizionato Good Vibrations alla sesta posizione nella lista delle 500 migliori canzoni di sempre da loro redatta.

Da bambino, la madre di Wilson gli raccontava che i cani possono percepire le “vibrazioni” degli esseri umani, quindi un cane abbaia se avverte che sono “cattive vibrazioni” quelle emanate da chi gli sta vicino. Wilson traspose il concetto nell’idea generale delle vibrazioni emotive, sviluppando il concetto che le persone possano emotivamente reagire alla stessa maniera degli animali attraverso le emozioni.

Good Vibrations si rivelerà essere la più costosa e complessa produzione di musica di quegli anni poca, venne creata impiegando una tecnica di registrazione mai sperimentata in precedenza: furono incisi circa 30 minuti di sezioni musicali sparse, successivamente unite insieme e ridotte al formato classico della canzone pop da 3 minuti di durata.

Molti nell’entourage dei Beach Boys erano scettici circa un così complesso e dispendioso processo creativo, ma la canzone spazzò via velocemente qualsiasi dubbio quando diventò il maggior successo commerciale della band, raggiungendo la vetta delle classifiche sia in Gran Bretagna che negli Stati Uniti, e stabilendo una volta per tutte la reputazione di Brian Wilson come genio musicale.

Il caratteristico suono elettronico che si può ascoltare nel ritornello verso la fine della traccia, venne creato con l’impiego di un Electro-Theremin, suonato da Paul Tanner.

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Steppenwolf – Born To Be Wild – 1969

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“Born to Be Wild”  è una canzone rock resa famosa dal gruppo statunitense Steppenwolf anche se scritta inizialmente da Mars Bonfire.

Spesso la canzone è descritta come il primo brano heavy metal mai scritto, oltre ad aver ispirato il nome dello stesso genere musicale.

Anche se queste affermazioni sono tuttora oggetto di discussione, il secondo verso nel testo di questa canzone  è la prima registrazione in cui si utilizza la parola “heavy metal” in un contesto musicale.

Born to Be Wild fu registrata per la prima volta dagli Steppenwolf nel 1968, fu il secondo singolo del gruppo, e quello che ottenne maggiori risultati, raggiungendo la seconda posizione della Billboard Hot 100.

Nel 2004, la rivista Rolling Stone ha messo Born to be Wild alla posizione 129 della lista delle 500 migliori canzoni di tutti i tempi.

La canzone fu originariamente pubblicata nel 1968, ma in seguito venne inclusa in numerose compilation e colonne sonore.

Il primo film ad utilizzarla nel proprio commento musicale fu Easy Rider nel 1969.

A differenza della versione presente sui dischi degli Steppenwolf, la versione utilizzata in Easy Rider figurava all’inizio il rumore del motore di una motocicletta.

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The Kinks – You Really Got Me – 1964

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“You Really Got Me” è un famosissimo pezzo dei The Kinks, incluso nell’omonimo album del 1964, raggiungendo in poco tempo il primo posto delle classifiche inglesi di quell’anno.

Questo brano ha influenzato la musica rock del tempo, e quello che sarebbe esploso alla fine del decennio successivo il Punk Rock. Questo infatti venne riconosciuto come uno dei primi prototipi di brano punk rock.

Nel 1999, You Really Got Me è stata introdotta nella Grammy Hall of Fame.

La rivista Rolling Stone inserì la canzone alla posizione numero 82 nella lista delle 500 migliori canzoni di sempre da loro redatta, e alla quarta nella lista delle “100 Greatest Guitar Songs of All Time”.

All’inizio del 2005, il brano venne votato la miglior canzone britannica del decennio 1955–1965 in un sondaggio radiofonico della BBC. Nel marzo 2005, la rivista Q piazzò il brano allo posizione numero 9 nella lista delle migliori 100 canzoni per chitarra.

Nel 2009, la canzone è stata nominata la cinquantasettesima “Greatest Hard Rock Song” da VH1.

Dave Davies si era stancato del tradizionale stile chitarristico “pulito” dell’epoca; e si mise in cerca di un sound più potente e aggressivo, che trovò per caso forando il suo amplificatoreo:

“Iniziai a sentirmi veramente frustrato dal suono del mio amplificatore, e dissi: so cosa fare! Ti buco! Presi una lametta Gillette e tagliai… [dal centro verso l’alto] l’amplificatore… quindi era tutto tagliato ma ancora funzionante, ancora intatto. Provai a suonare e il suono che ne uscì mi sembrò fantastico!”.

L’assolo di chitarra presente in You Really Got Me è da sempre fonte di una delle più controverse e persistenti leggende metropolitane della storia del rock. Si è spesso affermato che non sia stato Dave Davies a suonarlo, ma l’allora giovane session man Jimmy Page, che in seguito si sarebbe unito prima agli The Yardbirds e poi ai Led Zeppelin. Tra quelli che riferirono fosse stato Page a suonare nella canzone, ci fu Jon Lord dei Deep Purple che inoltre disse di aver suonato il pianoforte sulla traccia. Page ha sempre negato di aver suonato l’assolo nella canzone, spingendosi addirittura ad affermare in un’intervista degli anni settanta data alla rivista Sound on Sound quanto segue:

“Non suonai mai in You Really Got Me, e fu proprio questo a far incazzare Ray Davies”

 

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Jimi Hendrix – Purple Haze – 1967

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Non basterebbe una giornata intera per parlare di Purple Haze di Jimi Hendrix, perla della musica Rock del 1967, inserito nell’album d’esordio “Are You Experienced”.

Il brano Purple Haze, secondo quanto dichiarato dal produttore della band Chas Chandler, nasce per caso nel back-stage del club Upper Cut Club, dove Hendrix incominciò a suonare il riff  e proprio Chandler sentendolo suggeri a Hendrix di scrivere dei testi per quel riff di chitarra.

In Inghilterra il singolo entra in classifica al 39º posto, per poi risalire fino al 3º posto e restare nella chart per ben quattordici settimane. Negli States il singolo raggiunge il 65º posto, restando in classifica per otto settimane. In Austria il singolo raggiunse il 7º posto, mentre in Norvegia si piazzò al 17º posto.

In un’intervista del 1969 per la rivista New Musical Express Jimi Hendrix dichiarò che il titolo Purple Haze, letteralmente “foschia viola”, ed il testo del brano nacquero da un sogno che egli fece, nel quale camminava sul fondo del mare, e quindi smentì qualsiasi riferimento a sostanze stupefacenti.

L’opinione pubblica invece interpretò il brano come un chiaro riferimento a qualche tipo di sostanza stupefacente. Ci sono in effetti due tipi di droga chiamati “purple haze”, un genere di LSD e una varietà di marijuana. Un verso in particolare può far pensare a quei riferimenti:

“Excuse me while I kiss the sky”

E “kiss the sky” è un diffuso eufemismo per riferirsi agli effetti della cannabis.

Nel 2005 il mensile britannico Q giudica Purple Haze come il brano con i migliori arrangiamenti di chitarra della storia della musica rock.

La rivista statunitense Rolling Stone nel 2003 colloca il brano al 17º posto della sua celebre classifica dei migliori brani musicali di tutti i tempi, “The 500 Greatest Songs of All Time”.

Nel 2008 il canale televisivo-musicale australiano Max, piazza il brano al 17º posto della loro classifica Rock Songs: Top 100.

 

Esistono numerose cover di Purple Haze, tra le quali una versione di Ozzy Osbourne durante il concerto Moscow Music Peace Festival del 1989 a Mosca, e quella di Frank Zappa durante il live The Best Band You Never Heard in Your Life del 1991.

 

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The Doors – Break On Through – 1967

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“Break on Through (To the Other Side)” è il primo singolo pubblicato dal gruppo musicale statunitense The Doors.

È tratto dal primo album della band, “The Doors”, del quale è il brano d’apertura. A differenza delle loro hit successive,”Break on Through (To the Other Side)” non ebbe molto successo, raggiungendo soltanto la posizione n. 106 nelle classifiche statunitensi.

La canzone è in 4/4 ed ha un ritmo piuttosto sostenuto e inizia con un insolito assolo di organo in cui alcune note sono volutamente fuori posto, mentre il giro di basso, lievemente somigliante a quello tipico della salsa, prosegue quasi invariato per tutta la durata del pezzo.

Esistono due versioni identiche del brano registrato in studio: nella prima versione la voce di Jim Morrison canta per quattro volte “she gets high”, nella seconda alla voce di Jim viene tagliata la parola “high” nelle prime tre ripetizioni.

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The Beatles – Revolution – 1968

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“Revolution” è una canzone dei Beatles, scritta da John Lennon anche se attribuita alla coppia Lennon-McCartney.

La canzone è apparsa in due differenti versioni, la prima più energica considerata da molti un preludio alll’hard rock e l’heavy metal che strariperà negli anni successivi al 1968, uscito come Lato B della hit Hey Jude, la seconda più’ lenta, una ballata acustica denominata Revolution 1, pubblicata nel White Album qualche mese dopo.

La versione in singolo si presenta effettivamente in una veste molto più graffiante e cattiva della sorella contenuta nel White Album e quindi molto più consona al titolo stesso della canzone, incominciando dal potente urlo introduttivo di Paul McCartney e proseguendo con un sottofondo costante di chitarra distorta di George Harrison, oltreché un piano elettrico suonato da Nicky Hopkins ed un tono vocale aggressivo da parte di John Lennon.

Probabilmente, tale versione era quella preferita da John Lennon, il quale, si ricorda, ebbe a dire in un’intervista rilasciata negli anni settanta che

“avrebbe rifatto tutti gli arrangiamenti delle canzoni del The Beatles (White Album)”

Anche George Martin, l’arrangiatore delle canzoni dei Beatles, da molti chiamato il “quinto Beatle”, si lamentò all’uscita del White Album degli arrangiamenti frettolosi a cui era stato costretto dal gruppo.

 

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